Mit den „Juwelen“ schwarzer Gruppen feiert die Harlem Renaissance ein Comeback

Wie kann man die Vereinigten Staaten im 20. Jahrhundert ohne Langston Hughes, Zora Neale Hurston, Louis Armstrong und Duke Ellington messen?

Davon würde man nicht träumen. Die Schriftsteller, Dichter, Sänger und Musiker der als Harlem Renaissance bekannten Bewegung, die sich von 1919 bis Ende der 1930er Jahre um den New Yorker Stadtteil drehte, spielen in der amerikanischen Kulturvorstellung eine große Rolle. Es war eine Zeit, in der „Harlem zum Symbol der globalen schwarzen Stadt wurde“, wie es der Schriftsteller Ishmael Reed beschrieb.

Aber was ist mit Malern? Laura Wheeler Waring, Charles Henry Alston Und Malvin Gray Johnson? Oder der Bildhauer Richmond Barthet? Kaum bekannte Namen. Und während andere bildende Künstler – Aaron Douglas, Jacob Lawrence, Archibald Motley Jr. und Augusta Savage – seit langem gefeiert werden, wurden ihre Beiträge bis vor Kurzem oft als Nebenstraße betrachtet, getrennt vom Rest der europäischen und amerikanischen Moderne.

Eine ambitionierte neue Ausstellung „Die Harlem Renaissance und der transatlantische Modernismus“ Die Ausstellung, die am 25. Februar im Metropolitan Museum of Art eröffnet wird, soll unseren Blick auf die Zeit verändern, als Harlem, angeregt durch die Ankunft Tausender Afroamerikaner im Rahmen der Great Migration, als kreative Hauptstadt aufblühte.

„Als ich Studentin war, befasste sich keiner der von mir belegten Kurse zur Kunstübersicht des 20. Jahrhunderts mit der Harlem Renaissance“, sagte Denise Morrell, die Kuratorin der Ausstellung. „Dies war der erste Moment, in dem schwarze Künstler alle Aspekte des neuen, modernen Stadtlebens darstellten, das in den 1920er bis 1940er Jahren Gestalt annahm. Sie waren sehr kosmopolitisch, verbrachten lange Zeit in Europa und beschäftigten sich mit avantgardistischer Ästhetik. Sie.“ „Wir befanden uns mitten in all diesen Trends.“ Sie kreuzten sich, nicht als Beobachter, sondern als Teilnehmer.

Nachdem schwarze Künstler jahrelang Rassenstereotypen ausgesetzt waren, konnten sie ihre eigenen Geschichten erzählen, sagte Morrell. „Sie versuchten, sich selbst zu definieren, auszudrücken, ihr eigenes Gefühl dafür auszudrücken, als wen sie sich selbst sahen und wer sie werden würden.“

Morrell, der seinen Ph.D. Nachdem sie mehr als 20 Jahre lang im Finanzwesen gearbeitet hatte, studierte sie Kunstgeschichte an der Columbia University und trat 2020 der Met bei. Sie stellt sich nun der Herausforderung von Alain Locke, dem wegweisenden Kritiker der Harlem Renaissance, aus dessen Aufsatz „The New Negro“ „The Das Jahr 1925 ist ein Prüfstein für schwarze Ästhetik. Locke ermutigte Künstler, auf afrikanische Kunst zurückzugreifen, nicht wie europäische Künstler, als eine Form des Primitivismus, sondern als eine überlieferte Tradition. Gleichzeitig betonte er die Notwendigkeit, im Dialog mit europäischen Modernisten zu arbeiten und ihre Werke nebeneinander zu zeigen.

Die Met-Ausstellung umfasst etwa 160 Gemälde, Skulpturen und Fotografien sowie Bücher, Poster, Filme und Ephemera. Darunter sind Werke einer Handvoll europäischer Maler der Moderne – darunter Kees van Dongen, Henri Matisse und Edvard Munch –, die im Dialog mit den Künstlern, Schriftstellern und Musikern der Harlem-Ära standen. Dieser Schritt soll Morells Hypothese bestätigen, dass es sich tatsächlich um eine transatlantische Bewegung handelte.

„Dummer und erstaunlicher Rassismus“

Dies ist das zweite Mal, dass das Museum eine Ausstellung über Harlem veranstaltet. Die erste fand 1969 statt. „Harlem on My Mind“ war die Idee von Thomas Hoving, dem neuen Direktor des Metropolitan Museum, der daran interessiert war, ein vielfältiges Publikum in die Institution zu bringen, und einem unabhängigen Kurator, Alun Schöner, der einen guten Ruf hatte für Medienpräsentationen Neuer Multiplayer zur Geschichte von New York City.

Obwohl das Museum afrikanische Kunst sammelte und ausstellte, befasste es sich nie mit dem Thema der afroamerikanischen Kultur. Daher war es für schwarze Künstler, Kuratoren und Gemeindevorsteher eine Überraschung, als sie herausfanden, dass „Harlem on My Mind“ kein einziges Gemälde oder keine einzige Skulptur eines afroamerikanischen Künstlers enthielt. Stattdessen setzte Schöner auf dokumentarische Fotografie, Text, Ton und andere immersive Strategien, um die Lebendigkeit von Harlem und seinen Menschen zu vermitteln.

Der Aufschrei kam sofort: Mehrere Künstler, darunter Penny Andrews, Camille Billups und Cliff Joseph, gründeten die Gruppe Black Emergency Cultural Alliance. Jeden Tag demonstrierten sie vor dem Museum und erregten schließlich die Aufmerksamkeit örtlicher Nachrichtenteams.

Morrell atmete erleichtert auf, als er nach dem Angebot gefragt wurde. „Ich wurde von der Met nicht beauftragt, eine korrigierende Show zu machen, die über ‚Harlem on My Mind‘ hinausgeht“, sagte sie bestimmt. „Wenn man bedenkt, was die Leute hinter dieser Show tatsächlich sagten: ‚Nun, es gab keine Geldstrafe.‘ Kunst in Harlem, wir müssen also keine „Künstler einbeziehen“ – man sieht den erstaunlichen und ignoranten Rassismus in diesem Unterfangen, und das ist der historische Kontext, den wir meiner Meinung nach unbedingt ansprechen müssen.

Einer der Lichtblicke in „Harlem on My Mind“ ist laut Morrell die Präsenz der Arbeit des Fotografen James van der Zee (1886-1983), der das Leben in Harlem während seiner langen und produktiven Karriere aufzeichnete. Im Jahr 2021 arbeitete das Museum mit dem Studiomuseum in Haarlem und der Witwe von van der Zee zusammen, um ein Archiv seiner Werke zu erstellen, darunter 20.000 Drucke. Morells Ausstellung wird einige Werke umfassen, die noch nie zuvor gezeigt wurden. (Die Met-Show findet mehr als 35 Jahre nach der Studio Museum-Show statt Sonderausstellung 1987 Zur Kunst der Harlem Renaissance.)

Ein Erbe, das von schwarzen Institutionen aufgebaut wurde

Trotz der Lehren aus „Harlem on My Mind“ legte das Metropolitan Museum bis vor relativ kurzer Zeit keinen Schwerpunkt auf die Sammlung der Werke afroamerikanischer Künstler. Nur 21 Stücke in der kommenden Ausstellung stammen aus der Sammlung des Met, zusammen mit der Fotosammlung von Van Der Zee.

„Wir haben eine uneinheitliche Gruppe in Bezug auf afroamerikanische Malerei und Skulptur, wie alle anderen, die sich mit politischer Arbeit befassen“, sagte Morrell und verwendete das Akronym für „überwiegend weiße Institutionen“. Um die Bewegung genauer zu betrachten, griff das Metropolitan Museum auf Leihgaben einer Handvoll Sammler und Museen zurück, die einen reichhaltigen Bestand an Werken schwarzer Modernisten des frühen 20. Jahrhunderts bildeten, darunter Schomburg Center for Research in Black Culture In Manhattan und Sammlung von Walter O. und Linda Evans In der Savanne. (Die National Portrait Gallery und das Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C., die ebenfalls Werke an das Metropolitan Museum verlieh, hatten in den 1960er Jahren Spenden von der Harmon Foundation erhalten.)

Noch wichtiger war, dass es bedeutete, in die Bestände einer Gruppe historisch schwarzer Colleges und Universitäten einzutauchen, die von Anfang an Geschäfte gemacht hatten: Fisk University, Howard University, Clark Atlanta University und Hampton University.

Da viele Museen an historisch schwarzen Bachelor-Colleges nicht über die finanziellen Mittel oder das Personal verfügten, um ihre Sammlungen online auszustellen, reiste Morrell persönlich zu jedem Campus, um sich über den gesamten Umfang ihrer Bestände zu informieren. Katherine Cooney Ali, stellvertretende Geschäftsführerin der Howard University Art Gallery in Washington, D.C., die sechs der Bilder ausgeliehen hat, sagte, sie sei erleichtert, dass gut ausgestattete Institutionen – darunter das Metropolitan Museum, das Getty Museum und das Los Angeles County Museum of Art und die Mellon and Ford Foundations – „sehen es.“ Dass es einen Bedarf gibt, diese Sammlungen, diese Vermögenswerte, diese kulturellen Einflüsse an historisch schwarzen Colleges und Universitäten zu bewahren, weil sie Juwelen sind.“

Die Familie wurde wieder vereint und der Künstler wurde wiederentdeckt

Einige dieser Juwelen waren auf den Dachböden und Kellern der Künstlerfamilien versteckt.

Roberta Graves ist seit Jahren auf der Mission, Museen und Kuratoren für die Arbeit ihrer Großtante zu interessieren. Laura Wheeler Waringder in Philadelphia und Paris studierte und sich ab den 1920er Jahren mit eleganten Porträts des schwarzen Bürgertums und der Intelligenz einen Namen machte.

Graves, die etwa 30 von Warings Gemälden, Hunderte von Aquarellen und ihr Archiv kuratierte, hatte jahrelang versucht, Aufmerksamkeit zu erregen – aber ohne Erfolg, sagte sie in einem Telefoninterview.

Im Jahr 2014 verwies Graves auf einen Vertreter von Woodmere-Kunstmuseum In Philadelphia besuchte sie die Archive und schlug vor, dass es für die Familie „vielleicht besser wäre, ihre Waring-Besitztümer zu verbrennen“, um die Kopfschmerzen bei der Suche nach einem Arbeitsort zu vermeiden. (Das Museum teilte der New York Times mit, dass es beschlossen habe, nicht weiter über die fraglichen Werke zu sprechen, aber das Vermächtnis des Künstlers dadurch niemals schmälern würde.) Sogar die Pennsylvania Academy of the Fine Arts, Warings Alma Mater, schien damals besonders begeistert zu sein.

Graves war so entschlossen, dass sie sich mit Warings anderer Nichte, Madeleine Murphy-Rapp, zusammenschloss. Die beiden Familien – die Warnings und die Wellers – waren in einen Rechtsstreit um den Nachlass des Künstlers verwickelt, und die Beziehungen wurden angespannt. Für Greaves war das eine alte Geschichte. „Ich sagte: ‚Gemeinsam sind wir eine viel stärkere Kraft.‘“

Rapp stellte auch fest, dass es ein harter Kampf war, Warings Beiträge anzuerkennen. „Ich habe Museumskuratoren und Museumspräsidenten verfolgt“, sagte sie in einem Telefoninterview. „Ich betrachte es als Verantwortung.“

Kurz vor dem Ende der Pandemie wandten sie sich an Morrell, der Warings Arbeit in „Darstellung der Moderne“, ihre hochgelobte Ausstellung in der Wallach Art Gallery der Columbia University im Jahr 2018.

Als sich die drei Frauen schließlich in Rapps Wohnzimmer in Chicago trafen, um Pläne für die Met-Show zu besprechen, gab es feierlichen Tanz, erinnert sich Rapp. Die Ausstellung umfasst nun neun Werke von Waring, darunter fünf Leihgaben von Graves und Raab.

Morrell und ihre Kollegen erkannten, dass einige Leihgaben – wie Aaron Douglas‘ Wandgemälde „From Slavery to Reconstruction“ aus dem Jahr 1934, Teil seiner „Aspects of Negro Life“-Serie, das normalerweise hoch an der Wand im Schomburg Center hängt – nur eine Kopie benötigten Oberfläche basisch. Reinigung, andere bedürfen einer umfassenden Restaurierung. Um diese Werke zu stabilisieren, stützte sich die Metropolitan University auf ihr Team aus erfahrenen Restauratoren sowie auf Museen im ganzen Land und unabhängige Experten.

Ich traf Isabelle Duvernoy und Sean Degny-Bair im Conservation Laboratory des Metropolitan Museum im Zwischengeschoss im dritten Stock. Sie zeigten mir ein Porträt seines Vaters von Archibald Motley Jr. aus dem Jahr 1922, das die Familie des Künstlers geliehen hatte. Das Bild ist sehr düster, fast deprimierend – im Gegensatz zu den überfüllten Szenen des sozialen Jazz-Zeitalters, für die Motley berühmt wurde. Der ältere Mann, elegant gekleidet, sitzt in einem Sessel, ein Buch in der Hand, ein Gemälde einer Rennszene hinter seinem Kopf und eine asiatische Porzellanfigur am Rand der Leinwand. Es spiegelt mehr den Respekt wider, den sein Vater in seiner Gemeinde genoss, als seine tatsächliche Macht – Motley Sr. war Träger in Pullman. Duvernoy und Digny Père waren überrascht, als sie erfuhren, dass der Ton, den sie zunächst dem alten Lack zuschrieben, ganz und gar vom Maler gewollt war. „Wenn es gut beleuchtet ist, sieht es nicht dunkel aus; es brummt“, sagte Digny Bear.

„Es ist wie ein altes Gemälde“, fügte Duvernoy hinzu.

Im Konservierungslabor sorgte Warings Gemälde „Mädchen mit grünem Hut“ aus dem Jahr 1930, eine Leihgabe der Howard University, für die größte Überraschung: „Wir sahen im Hintergrund eine ungewöhnliche Passage, also machten wir Infrarot- und Röntgenaufnahmen.“ Er sagte. Darunter befand sich ein zweites Gemälde – ein Bild von zwei kleinen Mädchen, die nebeneinander saßen.

Morrell geht davon aus, dass diese Art von Restaurierungsarbeiten noch lange nach Ende der Ausstellung fortgesetzt werden. „Wir haben den neuen Flügel“, sagte sie und bezog sich auf die geplanten Ausstellungen im Tang-Flügel des Metropolitan Museum of Modern and Contemporary Art, die 2029 eröffnet werden sollen und geschätzte 500 Millionen US-Dollar kosten werden.

„Wir wollen bei der Wiedereröffnung des Harlem Renaissance eine sehr große Präsenz haben“, sagte sie. „Wir werden Akquisitionen tätigen, und es wird ein fortlaufendes Projekt sein.“

Es ist schwer, Morrells Begeisterung für die bevorstehende Show und ihre Fähigkeit, den Blick auf eine Ära, die Wissenschaftler zu kennen glauben, neu zu lenken, nicht zu teilen. „Es ist eine Feier dieser Zeit, eine Neupräsentation dieser Zeit, eine neue Einführung für Menschen einer bestimmten Generation und aus einer bestimmten kunsthistorischen Sicht“, sagte der Kurator.

Wenn sie recht hat, werden Studierende künftiger Generationen niemals Übersichtskurse zur Kunstgeschichte belegen, in denen die Harlem Renaissance nicht berücksichtigt wird. Morrell sagte, sie sei auch optimistisch, dass die Präsentation von Werken aus HBCU-Sammlungen „neue Unterstützung anziehen wird, die direkt an diese Museen geht, damit sie ihre Infrastruktur aufbauen und mehr von dem zeigen können, was sie haben.“

„Es gibt keinen Grund, warum Fisk oder Hampton mit ihren wunderbaren Museen nicht eine Ausstellung dieser Größe veranstalten könnten, wenn sie nur über die nötigen Ressourcen verfügten“, sagte sie.